学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

唱歌是需要很强的节凑感和乐感，跳舞也一样。但是有些人天生节奏感强，乐感好，有些人就需要后天来弥补了。后天怎么弥补呢？

1.可以练习打拍子。

熟能生巧，久而久之，你的节奏感会好一点的。

2.可以多听听歌，找乐感。

听歌曲的鼓点声，每首歌的每个鼓点声的间隔是一样的，当然有时候中间可能没有鼓点声，这种情况很少。唱歌的人声是落在鼓点上的，这样你就能跟上节奏了。

3. 需要注意的是唱歌时的换气也要灵活运用。

平时可以多听听一首歌的原唱是怎么换气的，在哪里换气的。有些歌曲里一句歌词很长，那你就要听听原唱是在哪个字中断换气的。这个也是很重要的。

4.学习乐器。

如果你有条件，可以去学习更多的乐器，技不压身嘛，多学一样，也是百利而无一害的。

下面我给大家介绍学习什么乐器比较好呢？

1.钢琴或电子琴

钢琴和电子琴属于键盘类乐器，学习这个比较昂贵，尤其是钢琴，投资挺大，首先如果你有条件，可以买一架钢琴，平时可以在家多多练习。人们常说，钢琴不是一种乐器，而是一百种乐器，因为它能模仿各种乐器的音效和声部，还能和声，是非常重要的乐器，对于你练习节奏感很有帮助。当然，没有条件，可以学习电子琴，价格也不贵。

2.吉他

吉他最大的优势就是很便捷，方便弹唱。平时出门都可以背着，走哪都可以练习。吉他也可以和声，只是没有钢琴的声部多，不过也是不错的和声乐器，像你如果出门，突然有灵感，可以编一首曲子，也是不错的。最重要的，它的节奏感分明，是一个提高节奏感和乐感的不错选择。唯一不足的一点就是，吉他没有钢琴的音色多样化和动听，它比较呆板简单。所以学习吉他也是不错选择，价格不贵。

3.架子鼓

架子鼓是一个节奏感强烈的组合型乐器。最重要的是节奏感非常显著，鼓点声很容易让人进去节奏。这个对于你提高节奏感和乐感非常有帮助，而且学习架子鼓可以练习四肢的灵活度，还能锻炼身体，是个很好的选择。价格也不是很贵。

当然，学习更多的乐器更好，如果有条件，对你以后编曲写歌唱歌都很有帮助的，希望这些对你有所帮助，祝你的节奏感和乐感越来越好。

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

在很多时候，我们认为乐感是天生的，是不属于理性范畴的。这个观点有其正确的一面，但是以此为理由而放弃对乐感的理性认识、放弃教学甚至以此来否定一个学生的音乐演奏前途却是不可取的。以下的观点是为乐感方面的教学提供一些依据。 乐感包括的元素： 在讨论乐感之前有一个前提， 那就是演奏者必须具备正确的和基本的演奏技能。没有这个技术的保证， 演奏什么都不会好听的。我把乐感在理论上归纳了几个方面： 乐句 力度表现 音符的终结 风格的色调 这些内容有人统称为‘表现’。但是如果把它们分成各个小问题，就更容易应对和改进一些。 乐句 乐句跟语言一样：开始、中间段、结尾。有时大的乐句就像文章里的段落一样，有逗号、句号和最后的总结。很多演奏者所犯的错误就是在练习之前没有分析乐句，对乐句的承上启下没有安排，这样就不能够诠释乐句的开始、走向和目标。所以乐感的第一步就是要分清乐句。而呼吸在乐句的分配中占有重要的因素，老师应该帮助学生根据乐句找出呼吸点，一旦确定了呼吸点，演奏时就要严格遵循。 力度表现 力度表现是乐感的灵魂。一旦分清了乐句，怎样创造性地诠释乐句就是下一步的问题。一般乐谱上都有力度标记，但是实际演奏中的力度会更丰富。演奏者一定要把一个乐句用多种方式尝试一下，努力找到最有表现力的力度变化。一般来说有表现力的力度变化都不是剧烈的， 相反是和小心、平和的转变和交接。特别要注意的是， 力度表现并不是随处都要的。对于那些标明‘平静的’的段落， 一定要简单化处理。在巴洛克、古典和早期浪漫作品中都不易用过于戏剧性的力度变化。 音符的结尾 “生日歌”里最后一个音是要柔和地结束，而军乐进行曲的终结大多是铿锵有力的。所以知道音符在各种音乐结构里的结尾形式是很重要的。一般来说结尾音是很柔和的渐弱。即使是强音结尾，也要控制。而在这方面常犯的错误就是把结尾音突然砍断，对结尾音没有细心地控制，音乐就此变得不连贯和愚钝。对于结尾音的控制一定要用心去体验，技巧上要勤于练习渐弱音的控制力。关注和解决乐句结尾音地处理，乐感就会有很大的提高。 音乐的风格和色调 这是最难描述的一个方面。总的来说， 演奏者要有一定的音乐历史知识。克雷斯顿的《奏鸣曲》里的‘强’就要比巴赫里的‘强’要强烈；如果把波扎练习曲的快速用在格拉祖诺夫的《协奏曲》里面就会破坏了典雅；演奏亨德米特的《奏鸣曲》要想象是在演奏一只铜管乐器，音色要尽量强壮饱满…等等。在这个方面老师的知识和启发非常重要。 总之，如果你能够分析乐句、安排好呼吸、体会到自然的力度变化、理解和控制好乐句的结尾音，再加上正确的风格和色调，演奏的音乐性就可以有很大的改进了。 杨谊评点： 读完这篇文章你可能认为没有什么新东西，它只是把我们平时教学中在做的内容归纳起来了。但是，就是这个归纳才是上升到理论高度的东西。 老师在教学中要勤力和认真。最好不要以学生的‘乐感不好’为理由而废了学生的演奏信心和前程。特别是对初学者，不要用‘乐感不好’这样的评论来打击学生，因为他们还处在技术的积累阶段，还没有完成表现音乐所需要的技术前提。 在音乐上的悟性是存在的，也因人而异。但是每个人都有自己的价值，作为老师应该尽自己的责任去帮助学生发挥出最大的音乐潜质。 刚兄也许对你有帮助采纳哦！

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

很多时候，我们认为乐感是天生的，是不属于理性范畴的。这个观点有其正确的一面，但是以此为理由而放弃对乐感的理性认识、放弃教学甚至以此来否定一个学生的音乐演奏前途却是不可取的。以下的观点是为乐感方面的教学提供一些依据。 乐感包括的元素： 在讨论乐感之前有一个前提， 那就是演奏者必须具备正确的和基本的演奏技能。没有这个技术的保证， 演奏什么都不会好听的。我把乐感在理论上归纳了几个方面： 乐句 力度表现 音符的终结 风格的色调 这些内容有人统称为‘表现’。但是如果把它们分成各个小问题，就更容易应对和改进一些。 乐句 乐句跟语言一样：开始、中间段、结尾。有时大的乐句就像文章里的段落一样，有逗号、句号和最后的总结。很多演奏者所犯的错误就是在练习之前没有分析乐句，对乐句的承上启下没有安排，这样就不能够诠释乐句的开始、走向和目标。所以乐感的第一步就是要分清乐句。而呼吸在乐句的分配中占有重要的因素，老师应该帮助学生根据乐句找出呼吸点，一旦确定了呼吸点，演奏时就要严格遵循。 力度表现 力度表现是乐感的灵魂。一旦分清了乐句，怎样创造性地诠释乐句就是下一步的问题。一般乐谱上都有力度标记，但是实际演奏中的力度会更丰富。演奏者一定要把一个乐句用多种方式尝试一下，努力找到最有表现力的力度变化。一般来说有表现力的力度变化都不是剧烈的， 相反是和小心、平和的转变和交接。特别要注意的是， 力度表现并不是随处都要的。对于那些标明‘平静的’的段落， 一定要简单化处理。在巴洛克、古典和早期浪漫作品中都不易用过于戏剧性的力度变化。 音符的结尾 “生日歌”里最后一个音是要柔和地结束，而军乐进行曲的终结大多是铿锵有力的。所以知道音符在各种音乐结构里的结尾形式是很重要的。一般来说结尾音是很柔和的渐弱。即使是强音结尾，也要控制。而在这方面常犯的错误就是把结尾音突然砍断，对结尾音没有细心地控制，音乐就此变得不连贯和愚钝。对于结尾音的控制一定要用心去体验，技巧上要勤于练习渐弱音的控制力。关注和解决乐句结尾音地处理，乐感就会有很大的提高。 音乐的风格和色调 这是最难描述的一个方面。总的来说， 演奏者要有一定的音乐历史知识。克雷斯顿的《奏鸣曲》里的‘强’就要比巴赫里的‘强’要强烈；如果把波扎练习曲的快速用在格拉祖诺夫的《协奏曲》里面就会破坏了典雅；演奏亨德米特的《奏鸣曲》要想象是在演奏一只铜管乐器，音色要尽量强壮饱满…等等。在这个方面老师的知识和启发非常重要。 总之，如果你能够分析乐句、安排好呼吸、体会到自然的力度变化、理解和控制好乐句的结尾音，再加上正确的风格和色调，演奏的音乐性就可以有很大的改进了。 杨谊评点： 读完这篇文章你可能认为没有什么新东西，它只是把我们平时教学中在做的内容归纳起来了。但是，就是这个归纳才是上升到理论高度的东西。 老师在教学中要勤力和认真。最好不要以学生的‘乐感不好’为理由而废了学生的演奏信心和前程。特别是对初学者，不要用‘乐感不好’这样的评论来打击学生，因为他们还处在技术的积累阶段，还没有完成表现音乐所需要的技术前提。 在音乐上的悟性是存在的，也因人而异。但是每个人都有自己的价值，作为老师应该尽自己的责任去帮助学生发挥出最大的音乐潜质。

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

我首推学习架子鼓。

节奏是音乐的核心。节奏的表现在于对音乐的理解上面，练习时由于可以尝试各种不同的音乐曲风，会带给你意想不到的收获。在学习的过程中会塑造你的节奏感和乐感。

以上是我个人的见解，你们觉得呢？

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

音乐都是有节奏的~~同时也需要带有乐感的表达~因此所有的乐器及声乐的学习都能够培养节奏感与乐感~当然如架子鼓，当然是节奏感多与乐感乐器的价格不一~个人爱好也不一样~建议根据自己的情况选择乐器

学什么乐器可以增加你的节奏感和乐感

节奏感比较强的乐器。以前，我们当地有个人拉小提琴很好听的。后来被当地剧团招去，结果和乐队一合，合不上拍，没办法，后来叫他拔大提琴，练节奏。

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